24 ноября в Мемориальной квартире Святослава Рихтера состоится концерт «Русские американцы» из цикла «Годы странствий Святослава Рихтера», посвященный русским композиторам в разное время эмигрировавшим в Америку. Лео Орнстайн, Игорь Стравинский, Александр Черепнин, Владимир Дукельский и Артур Лурье были современниками, многие хорошо знали друг друга, почти все оказались в США, спасаясь от революции и от «коричневой чумы». С конца 1930-х североамериканский континент стал «Меккой» для европейских музыкантов, а они, в свою очередь, подняли на высочайший уровень музыкальную культуру Америки. Судьбы русских композиторов сложились по-разному. И если Игорь Стравинский уже в 1930-е годы был «живым мифом» и символом искусства XX века, то имена остальных композиторов возвращаются к нам в последние годы из архивов «русского зарубежья». А между тем, это очень яркие и заметные фигуры в истории музыки XX века. Программу из редко исполняющихся камерных сочинений «русских американцев» исполнит ансамбль солистов «Студия новой музыки».
Подробнее о концерте
«Музыкальные университеты» юного Александра Черепнина (1899–1977) совпали с годами революции. Сын известного русского композитора Николая Черепнина и камерной певицы Марии Кинд (племянницы А.Н. Бенуа) начал свое образование в Петербургской консерватории, затем был Тифлис, а в 1921 семья оказалась в Париже, где будущий композитор закончил Парижскую консерваторию. Кумиром молодого музыканта надолго стал ниспровергатель авторитетов Сергей Прокофьев, во многом определивший своим антиромантизмом и культом perpetum mobile, формирование художественных вкусов Саши. Александр Черпенин – блестящий пианист, чья карьера на Западе началась с сольных концертов. Кроме Прокофьева и Стравинского на музыкальный язык младшего Черпенина оказали влияние композиторы «Шестёрки» и О. Мессиан с его теорией ладов. Войну Черепнин пережил в Париже, но в 1948 окончательно перебрался с семьей в США, где в 1958 получил американское гражданство. Известный композитор Аарон Копланд позднее вспоминал: «Прожив в Америке достаточно долго, Саша стал почетным американским композитором и для меня лично – дорогим коллегой и другом». Пианистка Марта Браден (одна из учениц А. Черепнина) писала о его пианизме: «Захватывающая дух предельная скорость, мощь и абсолютный объем звука с одной стороны, лиризм, искренность и юмор с другой были не только качествами его личности, но и его пианизма. Эти свойства были воплощены в его уникальных произведениях».
Главное место в композиторском наследии А. Черепнина занял жанр фортепианной миниатюры. Цикл «Expressions» («Выражения», op. 81) написан в Чикаго в 1951 году. Десять программных пьес цикла, на первый взгляд, обращены к романтической традиции, они также заставляют вспомнить «Отражения» М. Равеля и ранние фортепианные опусы С. Прокофьева. В «Expressions» очевидна синтезирующая тенденция стиля Черепнина, органично сочетающая разнообразные музыкальные жанры и аллюзии с оригинальным языком автора.
Русский композитор Игорь Стравинский (1882–1971) еще при жизни стал культовой фигурой и законодателем «музыкальной моды», он был одним из тех, кто формировал музыкальный вкус и язык XX века, определяя вектор развития. Подобно Пикассо, композитор с легкостью менял свои стилистические пристрастия: от русской архаики и «мирискусничества» к неоклассицизму, а в поздние годы – к додекафонии. Поэтому многие современники называли его «Протеем XX века». Стравинский оказался отрезанным от России еще в 1914 году, после революции его жизнь делилась между Францией и Швейцарией вплоть до конца 1930-х, когда композитор принял решение уехать в Америку. В 1939 русский композитор обосновался в Лос-Анджелесе. «Ещё со времени моей первой поездки в этот город в 1935 году, я подумывал поселиться где-нибудь в пригороде отвратительного, но восхитительного Лос-Анджелеса, прежде всего, памятуя о своем здоровье, но также и потому, что именно Лос-Анджелес казался мне лучшим местом в Америке, чтобы начать новую жизнь».
В программе концерта прозвучат два сочинения Стравинского: одно – Соната для 2-х фортепиано (1943–1944) – яркий образец неоклассического стиля. Лаконичный, изящный и полный иронии, трехчастный цикл Сонаты, с одной стороны, опирается на «чистый контрапункт», следуя идее «объективной музыки», а с другой – Соната пронизана интонацией русского мелоса и аллюзиями на народные танцевальные жанры. Второе сочинение – маленькая вокальная миниатюра, песенка «Совёнок и Кошечка» (1966) на слова Э. Лира, одно из последних вокальных сочинений, посвященное Вере (Вере Артуровне Стравинской, второй жене композитора). Их роман начался еще в 1920 году, во время работы Стравинского над «Маврой», но официально супруги расписались в Голливуде только в 1940-м. Стихотворение Э. Лира «The Owl and the Pussy-Cat» – один из классических образцов поэзии нонсенса, чисто английского литературного явления, не случайно привлекло внимание композитора. В наивной нелепости содержания скрывается глубокий смысл. Сам композитор говорил о музыкальной идее этой «песенки-загадки»: «Истоки – в трехдольном размере заглавия… Моя музыка качает лодку». Первоначально песня оставляет странное впечатление своим примитивным лаконизмом: в пространстве фактуры – ничего кроме двух контрапунктирующих линий (голос и фортепиано), они не взаимодействуют, а движутся «по волнам» параллельно в бесконечность. В качестве «мелодии» выступает короткая серия и ее вариативные преобразования. Повторяемость «мотивов» вызывает ощущение кружения, тем более, что в процессе развертывания обнаруживается «полюс» притяжения – нота ре. К нему внезапно и причаливают «герои». Так Стравинский передал музыке сущность поэзии нонсенса: игру словами, ощущение бессмысленности как высшей формы смысла.
Уроженец Кременчуга, «вундеркинд» Лео Орнстайн (наст. имя Лев Горнштейн; 1893–2002), поступил в Петербургскую консерваторию в 11 лет, став учеником таких мэтров, как Александр Глазунов и Анна Есипова. Семья будущего «музыкального футуриста» эмигрировала в Америку еще в 1906-м, где Лео продолжил свое образование в Институте музыкального искусства (позднее Джульярдская школа музыки). С 1913 года начинается его сольная карьера пианиста и с этого же времени он посвящает себя композиции. Прожив более 100 лет, Орнстайн не переставал писать музыку, свою Восьмую сонату для фортепиано он закончил в 97 лет. Наиболее яркий, ранний период его творчества связан с «ультрамодернистской» эстетикой и поисками нового языка: чистой эмоции в звуке, свободной от «школьных правил». Отчасти композитор смыкался с установками австрийских экспрессионистов. Среди «футуристических» сочинений Орнстайна 1910-х особенно выделяется поэма «Самоубийство на аэроплане» (1913), произведение примечательное само по себе и по истории своего возникновения. Фортепианная поэма была написана Орнстайном под впечатлением от газетной публикации «The New York Times» (от 2 апреля 1913 года), в которой рассказывалось о русском военном пилоте, сознательно заглушившим мотор своего самолета где-то над Варшавой… Пьеса в высшей степени эмоциональная, оказывается скорее внешней «музыкальной иллюстрацией» к трагедии, экспрессионистской зарисовкой, а не прочувствованным фортепианным реквиемом. Одной из причин, побудивших молодого композитора написать «Самоубийство…», была привлекшая его возможность изобразить шум мотора и сопоставить его с драматическим сюжетом, с эмоциями, бушующими в душе летчика, музыка находится как бы на стыке «изобразительного» и «выразительного» начал. Невольно вспоминается первая футуристическая опера «Победа на Солнцем» (1913), где на сцену должен был падать аэроплан (как символ Катастрофы).
Второе отделение концерта посвящено двум композиторам, Владимиру Дукельскому и Артуру Лурье, чьи судьбы в Америке сложились диаметрально противоположным образом.
Владимир Дукельский (1903–1966) закончил Киевскую консерваторию по классу Р. Глиэра, считался местным «вундеркиндом». Долгие странствия музыканта начались в 1919 году: оказавшись в Одессе, он перебрался в Константинополь, а потом в Америку. В середине 1920-х по совету А. Рубинштейна отправился в Париж, удачно дебютировал с Фортепианным концертом, а потом и с балетом «Зефир и Флора» (1925) у С. Дягилева. В Париже сблизился с Прокофьевым, оценившим его талант. Однако наряду с академической музыкой Дукельский с 1929 года ведет «двойную жизнь», под псевдонимом Вернон Дюк пишет популярные песни для Бродвея. В 1930-е многие из его композиций в стиле «Tin Pay Alley» становятся джазовыми стандартами.
«Сюрреалистическая сюита» для фортепиано была написана в 1939, когда композитор постоянно жил и работал в США. В марте 1939 он принял американское гражданство и официально сменил имя, став Верноном Дюком. Сюита содержит девять пьес, названия которых отсылают к картинам и образам творчества одного из крупнейших представителей сюрреализма Сальвадора Дали, и в сочетании с заглавием цикла дают интереснейшее поле для размышлений. Вероятно, замысел сюиты по мотивам образов творчества Дали возник у Дукельского после его участия в организации сюрреалистического бала в честь художника в Бостоне, состоявшегося в 1938 году в Отеле Сомерсет. Композитор оставил живописные воспоминания об этом событии: «Сальвадор должен был появиться в строгом смокинге, его голова заключалась в пасть огромной акулы с двумя полными комплектами зубов... Гала была обеспечена платьем Скьяпарелли, целиком состоявшим из позолоченных английских булавок», Дукельскому, «сюрреалисту сомнительной подлинности, предоставили человеческую руку, сделанную из глины, которую приказали носить как украшение, свисающее на черной бархатной ленте, повязанной вокруг шеи». Вероятно, костюмированный бал стал одним из импульсов к созданию цикла по мотивам далианских образов, на связь с которыми указывают названия частей сюиты. Некоторые из них переосмысливают и пародируют конкретные произведения художника. Можно предположить, что элементы концепции сюрреализма так или иначе отражены не только в названиях, но и в самой музыке. Этому есть целый ряд подтверждений – прежде всего интроспекция музыкальных образов сюиты.
Артур Лурье (наст. имя Наум Израилевич Лурья; 1891–1966) – композитор, музыкальный критик, мемуарист, комиссар и денди; один из крупнейших представителей музыкального футуризма и русского музыкального авангарда начала XX столетия... «Звездные часы» Артур Лурье пережил в 1910-е годы и во время революции, когда «русский футуризм» должен был «сбросить с корабля современности» старых идолов. Завсегдатай «Бродячей собаки», друг Ахматовой, музыкант, объявленный Хлебниковым одним из председателей ЗемШара по секции музыки, автор нескольких революционных опусов, опередивших время, был вынужден эмигрировать сначала в Берлин, а затем в Париж. По язвительному замечанию Н. Набокова Лурье в течение многих лет был «тенью Стравинского», с которым сблизился в 1924, корректировал партитуры композитора и писал статьи о его творчестве. В начале 1940-х произошел разрыв, а в 1941 Лурье с помощью С. Кусевицкого чудом успел выехать в Америку. Увы, Америка не стала для него второй родиной. Отрекшись от Стравинского и от эстетики «неокалиссицизма», на закате дней Лурье вновь обратился к евразийским идеалам молодости, он писал: «Все европейское во мне – мертвое, упадническое, раздвоение, распад, сомнения, скептицизм и безволие, как у всех. Все азиатское – живое, подлинно-жизненное, веселое и светлое. Какое странное видение: Христос в Азии!» (цит. по: Корабельникова Л. Александр Черепнин: долгое странствие. М., 1999. С. 204).
Камерный концерт для скрипки и оркестра струнных инструментов (Concerto da camera; 1946–1947), одно из наиболее значительных произведений американского периода (позднее Лурье сделал переложение для скрипки и струнного квартета, 1957). Произведение необычайно экспрессивное, отмеченное ностальгическими воспоминаниями о России, настроением просветленной печали, оттеняющейся характерной для Лурье иронией. Концерт имеет в основе своей ясную музыкальную идею: это диалог скрипки соло с другими инструментами оркестра. Что касается формы цикла, то она напоминает оркестровую многочастную сюиту, а это безусловное «эхо неоклассицизма».
Екатерина КИЧИГИНА (сопрано) – окончила Российскую академию музыки имени Гнесиных и аспирантуру Московской Государственной консерватории имени П.И. Чайковского (класс проф. Н.Л. Дорлиак и Г.А. Писаренко). С 1995 года является солисткой Московского театра «Новая Опера» имени Евгения Колобова, где исполняет ведущие партии в операх «Евгений Онегин» Чайковского, «Демон» Рубинштейна, «Паяцы» Леонкавалло, «Волшебная флейта» Моцарта, «Джанни Скикки» Пуччини, «Саломея» Р. Штрауса и других, а также партии для сопрано в постановках «Viva Verdi!», «Винченцо Беллини», «Bravissimo!», «Все это – Опера!», «Россини», реквиемах Моцарта и Верди, концертах солистов театра. Дважды лауреат Национальной театральной премии «Золотая маска». Является солисткой ансамбля «Студия новой музыки». Принимала участие в мировых и российских премьерах сочинений Денисова, Шнитке, Лахенмана, Пендерецкого, Шаррино, Ромителли и многих других. Постоянная участница фестивалей современной музыки «Московская осень» и «Московский форум».
Мона ХАБА (фортепиано) – окончила с отличием Московскую консерваторию и аспирантуру (по классу проф. Г.Б. Аксельрода и проф. Л.М. Живова). После окончания консерватории работала в Большом театре. Была музыкальным ассистентом народного артиста СССР Владимира Васильева. Гастролировала во многих зарубежных странах и продолжает активную концертную деятельность, сочетая ее с преподаванием в академическом музыкальном колледже при Московской консерватории. Мона Хаба – солистка ансамбля «Студия новой музыки». Принимала участие в фестивалях «Венецианское биеннале», «Московская осень», «Московский форум», «Варшавская осень», «Шлезвиг-Гольштейнский музыкальный фестиваль». Выступала как солистка с оркестрами РНО, ГАСО, а также в камерных ансамблях с ведущими российскими музыкантами. В ее репертуаре, помимо произведений классического и романтического стиля, включены сочинения композиторов XX века, включая молодых новаторов России и зарубежья.
Наталия ЧЕРКАСОВА (фортепиано) – окончила с отличием фортепианное отделение Государственного музыкально-педагогического института им. М.М. Ипполитова-Иванова (класс доцента С.Я. Солодовника), а в 2005 – аспирантуру Московской консерватории им. П.И. Чайковского по классу «Оркестр современной музыки». Пианистка – лауреат Международного конкурса молодых исполнителей современной музыки (Добрич, Болгария, 2001) и Международного конкурса современной камерной музыки (Краков, Польша, 2006). Выступает как с сольным репертуаром, так и в составе камерных ансамблей, регулярно принимает активное участие в крупнейших российских фестивалях современной музыки «Московская осень» и «Московский Форум». С 2005 – солистка ансамбля «Студия новой музыки». Основу ее репертуара составляют произведения современных авторов и классиков XX века.
Струнный квартет «Студия новой музыки» был создан в стенах Московской консерватории им. П.И. Чайковского в 2004. Состав участников: Станислав Малышев (1-я скрипка), Инна Зильберман (2-я скрипка), Анна Бурчик (альт), Ольга Калинова (виолончель), Василий Бесчастнов (контрабас). Камерному музицированию исполнители учились у таких известных профессоров, как А. Бондурянский, А. Корчагин, Н. Коган, А. Рудин, Т. Алиханов, А. Шишлов. С 2005 года квартет начал сотрудничество с Центром современной музыки при Московской консерватории и за последнее десятилетие музыканты с большим успехом осуществили ряд мировых и российских премьер сочинений А. Берга, Л. Берио, А. Волконского, Ф. Донатони, Д. Кейджа, Д. Лигети, В. Лютославского, Д. Мелких, А. Мосолова, С. Райха и многих других. Особое место в деятельности квартета занимает сотрудничество с молодыми композиторами, сочинения которых музыканты регулярно исполняют в своих концертах и на международных конкурсах композиторов (им. Н.Я. Мясковского и им. П.И. Юргенсона). Исполнительское мастерство музыкантов получило самую высокую оценку известных композиторов, среди которых В. Сильвестров, К. Пендерецкий, А. Госсен, Ж. Цинстаг, Х. Лахенман.
